VOL.207 SEPTIEMBRE 2025 - Los instrumentos y la cultura musicales de Japón vivos en las artes escénicas tradicionales: La cultura musical de Japón, pasado y presente [traducción del reportaje publicado en Highlighting Japan]
Un ejemplo de gagaku con el sho
En las artes escénicas tradicionales japonesas, se utilizan una variedad de wagakki (instrumentos tradicionales japoneses), con instrumentos y estilos de interpretación distintivos que se encuentran en diferentes regiones. Hablamos con el musicólogo HOSOKAWA Shuhei, quien ha realizado una extensa investigación durante muchos años sobre la historia y las características de la cultura musical única de Japón.
HOSOKAWA Shuhei Director del Instituto de Investigación en Música Tradicional Japonesa y Profesor Emérito en el Centro Internacional de Investigación de Estudios Japoneses. Sus especialidades incluyen musicología, historia cultural japonés-brasileña y la evolución de la cultura musical japonesa. Ha enseñado y dado conferencias sobre cultura japonesa en universidades extranjeras, y su investigación adopta un enfoque multifacético de la música japonesa, incluyendo los encuentros y la fusión entre tradiciones musicales japonesas y occidentales.
¿Qué tipos de música tradicional se encuentran en Japón y qué los hace tan cautivadores?
En general, la música tradicional se refiere a la música que precede a la introducción de la música occidental en Japón en el siglo XIX. Entre las formas más antiguas está el gagaku1, la música de la corte imperial que se ha interpretado durante más de mil años. Se caracteriza por melodías extremadamente lentas y fluidas. Los instrumentos usados en el gagaku incluyen instrumentos de viento llamados sho2 (un tipo de armónica), instrumentos de cuerda como el biwa3 (un tipo de laúd) y el koto4 (un tipo de cítara), así como instrumentos de percusión como el taiko (tambores japoneses) y el shoko5 (un pequeño gong).
Otro ejemplo es el Noh6, que se desarrolló entre los siglos XIV y XV y es un arte escénico clásico acompañado de canto y música instrumental. Los intérpretes pronuncian sus líneas mientras se mueven con elegancia contenida, y la historia se desarrolla acompañada musicalmente por instrumentos como el fue (flautas japonesas), kotsuzumi7 (pequeño tambor de mano), otsuzumi8 (gran tambor de mano) y el taiko.
Ejemplos de instrumentos del gagaku : koto (delante) and shoko (detrás).
Un escenario de Noh en la isla de Sado, prefectura de Niigata, donde la cultura del Noh se ha establecido desde hace tiempo.
Más tarde se desarrolló el instrumento de cuerda conocido como shamisen9. Originado del sanshin10 que fue introducido desde la región de Ryukyu (actual prefectura de Okinawa) en la zona de Osaka a mediados del siglo XVI, el shamisen surgió tras adaptarse mejor a los intérpretes japoneses. Se volvió muy popular, no solo como instrumento familiar para el disfrute diario, sino también como elemento esencial de las artes escénicas tradicionales.
El shamisen se hizo especialmente popular como instrumento central en la música teatral, estrechamente asociado con el kabuki11 y el ningyo joruri12 (teatro de marionetas). Por la misma época, también surgió el biwa. Originalmente un noble instrumento de cuerda derivado del gagaku, recibió su nombre por su parecido con el lago Biwa, el lago de agua dulce más grande de Japón situado en la prefectura de Shiga.
Los biwa se vincularon a monjes ciegos que recorrían las carreteras recitando el Heike Monogatari13 (El cuento de los Heike). Desarrollaron un estilo expresivo único, caracterizado por una narración poderosa combinada con un uso vigoroso del bachi (plectro). Aunque hoy en día hay pocos sucesores, las grabaciones, vídeos y actuaciones en directo de esta tradición merecen mucho la pena ser experimentados.
Un ejemplo del kotsuzumi usado en las actuaciones de Noh.
Rastrear las raíces de la música y los instrumentos tradicionales japoneses revela que no fueron creados originalmente de forma independiente dentro de Japón, sino que fueron introducidos desde la China continental y la península coreana. Sin embargo, una vez que llegaron al archipiélago japonés, tanto las canciones como los instrumentos sufrieron transformaciones únicas. Las creencias y el idioma distintivos de Japón desempeñaron un papel fundamental en este proceso, con los cimientos de santuarios shintoístas, templos budistas y el propio idioma japonés ya establecidos entre los siglos VI y VII. Desde entonces, en la vida cotidiana se disfrutaron canciones e instrumentos únicos del archipiélago. Se desarrollaron gestos y pasos originales en las danzas y actuaciones junto con canciones de amor y narrativas que siguen conmoviendo a las personas hoy en día.
¿Cuáles son las principales atracciones del shamisen, uno de los instrumentos tradicionales representativos de Japón, y la música que se interpreta en él?
El shamisen —inventado entre finales del siglo XVI y principios del XVII— tiene su mayor atractivo como acompañamiento que desempeña un papel crucial en el avance de las narrativas en el escenario. Particularmente en las artes escénicas tradicionales como el kabuki y el ningyo joruri, ayuda a intensificar el drama y a resaltar las emociones de los personajes. El tono distintivo del shamisen y el control dinámico y hábil del tempo y la intensidad le permiten contar la historia a través del sonido, haciendo que su poder expresivo sea especialmente cautivador. También es indispensable como acompañamiento para breves y ligeros zashiki uta14 (canciones de salón), que podrían considerarse precursoras de la música pop actual.
Además, el shamisen se interpreta en un estilo de conjunto llamado sankyoku, que se estableció a partir del siglo XIX. El sankyoku consta de tres instrumentos: el shamisen, el koto y el shakuhachi15 (una flauta vertical de bambú). Comparable a un trío de música de cámara de piano, violín y violonchelo en la música occidental, esta forma de conjunto es exclusivamente japonesa. En el sankyoku, el shamisen adquiere un papel diferente a su potente acompañamiento teatral; en su lugar, interactúa delicadamente con el koto y el shakuhachi, llevando la melodía y proporcionando expresión y fluidez generales. La capacidad de variar su expresión tonal según la escena resalta la profundidad y versatilidad del shamisen.
Tocando el shamisen
Un ejemplo de shakuhachi
¿Podrías contarnos sobre la música y los instrumentos específicos de cada región dentro de la música tradicional japonesa?
Un ejemplo de música específica de región es el shamisen Tsugaru16. Esta música de shamisen, que se encuentra principalmente en el oeste de la prefectura de Aomori, es motivo de orgullo para la población local. Muchos entusiastas la interpretan activamente y se celebran conciertos por toda la prefectura. El shamisen Tsugaru tiene un mástil más grueso en comparación con otros estilos de shamisen y difiere del shamisen suave y expresivo que se escucha en ambientes teatrales como el kabuki. Se caracteriza por técnicas vigorosas de bachi y un sonido rico y potente, usado a menudo en canciones folclóricas y música de festivales. Su tono fuerte y dinámico crea una atmósfera de emoción y alegría, que es una parte clave de su atractivo. Recomiendo encarecidamente escuchar actuaciones en recitales de músicos o en plataformas de vídeo compartido para experimentarlo de primera mano.
¿Dónde puede la gente experimentar y disfrutar la música tradicional japonesa hoy en día?
Una de las principales formas de disfrutar de la música tradicional japonesa es asistiendo a actuaciones en teatros especializados. Por ejemplo, el ningyo joruri se representa regularmente en el Teatro Nacional Bunraku en la ciudad de Osaka, prefectura de Osaka. Las representaciones de kabuki se celebran de forma continua en teatros como el Teatro Kabukiza17 en Chuo City, Tokio, así como en recintos de las prefecturas de Osaka y Kioto. Además, si deseas experimentar música específica de la región, se recomienda encarecidamente visitar la prefectura de Okinawa. El suave sonido del sanshin, símbolo de la cultura okinawense, puede disfrutarse en cafeterías locales y tabernas de música folclórica, lo que lo hace accesible en la gastronomía y en ambientes sociales cotidianos.
Otra excelente manera de disfrutar de instrumentos y música tradicionales japonesas es a través de los festivales18 que se celebran en todo el país. Originalmente interpretados como parte de ceremonias shintoístas en los santuarios, los hayashi —música animada en conjunto con el fue y el taiko— han evolucionado con características regionales únicas. Hoy en día, la gente de todo Japón actúa con alegría y exhibe estas vibrantes tradiciones musicales durante los festivales locales.
Los instrumentos de percusión como el taiko son especialmente notables por su sonido fuerte y resonante que se extiende al exterior, sirviendo tradicionalmente como señal para anunciar el inicio de festivales, incluso desde lejos. Ejemplos similares pueden encontrarse en la música africana y sudamericana, donde los sonidos de tambores han desempeñado durante mucho tiempo un papel en la reunión de personas. Donde vivo en Kioto, durante la temporada del Festival Gion19, se pueden escuchar los sonidos de la práctica de taiko y fue por toda la ciudad, señalando que el festival se acerca. Existe la creencia popular de que el sonido del taiko refleja el latido del corazón, despertando las emociones. De hecho, sus ritmos simples pero poderosos parecen vibrar directamente tanto por el cuerpo como por la mente.
Tambores taiko interpretando el Bofuri Hayashi (música de festival para golpear bastones) durante el Festival Gion en la ciudad de Kioto, prefectura de Kioto.
Además de géneros representativos como el shamisen y el gagaku, ¿hay algún estilo musical tradicional que te hayas familiarizado personalmente o que te resulte especialmente cautivador?
Disfruto mucho del ningyo joruri. A menudo visito el Teatro Nacional de Bunraku en Osaka, y por muchas veces que lo vea, siempre me cautiva la combinación perfecta del narrador, o tayu, la interacción del shamisen y los movimientos hábiles de las marionetas. También disfruto escuchando Shinnai-bushi20, un estilo musical narrativo que utiliza el shamisen. Establecido durante el periodo Edo (principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XIX), es conocido por sus melodías emocionalmente ricas y fue tradicionalmente interpretado por músicos itinerantes llamados nagashi que tocaban mientras caminaban por las calles.
Otro estilo musical que me fascina especialmente es la música Chindon-ya. Surgiendo a principios del siglo XX, los Chindon-ya son bandas callejeras que combinan instrumentos tradicionales como el shamisen y el chindon taiko21 con instrumentos occidentales como el clarinete y la guitarra, interpretando un amplio repertorio que va desde canciones populares hasta melodías populares.
Me conmueve profundamente la música relacionada con la narración y la movilidad. Varios grupos de preservación cultural mantienen viva activamente la tradición chindon-ya, así que os animo a que experimentéis sus actuaciones si tenéis la oportunidad.
Actividad destinada a preservar el arte de Chindon-ya. Foto: JOMA Akihiko
¿Cuáles son los retos para preservar y desarrollar la música tradicional japonesa?
La música tradicional japonesa hoy enfrenta desafíos debido a la fuerte influencia de la música occidental. Por ello, espero ver más esfuerzos transgéneros donde los jóvenes mezclen instrumentos tradicionales con pop y otros estilos contemporáneos. Hablando desde mi propia experiencia, hace unos 30 años, me impresionó profundamente encontrar la música de un grupo llamado Shang Shang Typhoon 22. su sonido, que incorporaba shamisen y taiko, me pareció un nuevo tipo de rock usando instrumentos tradicionales.
Para llevar los sonidos tradicionales al futuro, es importante no solo contar con profesionales, sino también aumentar el número de intérpretes, incluidos aficionados, y ampliar las oportunidades de actuación y presentación. Crear más oportunidades para que los jóvenes se involucren de forma informal con instrumentos tradicionales a través de actividades en colegios secundarios, institutos y universidades también sería efectivo. Así como lo que antes era música popular acabó llamándose «música tradicional» con el tiempo, creo que el primer paso para transmitirla a la siguiente generación es animar a la gente a escuchar sin sentir que es difícil.
-------------------------------------------------
1. Una fusión de música y danza introducida desde Asia continental alrededor del siglo V con rituales cortesanos nativos japoneses y tradiciones aristocráticas. La forma actual de gagaku se estableció alrededor del siglo X.
2. Un instrumento de viento compuesto por 17 tubos de bambú de diferentes longitudes sujetos a una boquilla en forma de tapa.
3. Un instrumento de cuerda con cuerpo redondeado, originario de China, también utilizado para actuaciones de acompañamiento vocal.
4. Una cítara de madera con 13 cuerdas estiradas sobre un cuerpo largo. Se colocan puentes móviles (kotoji) bajo cada cuerda para ajustar la escala, y se toca usando púas que se llevan en los dedos de la mano derecha.
5. Un instrumento de percusión que consiste en un cuenco metálico suspendido dentro de un marco circular o en forma de llama. Se toca golpeando el interior del cuenco con un mazo.
6. Una forma clásica de drama musical que se desarrolló en el siglo XIV. Los intérpretes llevan máscaras y avanzan la narrativa mediante danza, cánticos y acompañamiento musical. Registrado por la UNESCO en 2008 como Patrimonio Cultural Inmaterial.
7. Un tambor con cuerpo de madera en forma de reloj de arena, sostenido con la mano izquierda y colocado sobre el hombro derecho, tocado con la mano derecha.
8. El compañero del kotsuzumi (pequeño tambor de mano), este tambor se coloca sobre la rodilla izquierda y se toca con la mano derecha.
9. Un instrumento de tres cuerdas tocado con una púa en forma de abanico llamada bachi. La vibración de las cuerdas resuena dentro de un cuerpo similar a un tambor para producir un sonido distintivo.
11. Una forma popular de teatro integral que combina canto, danza y actuación. Desde sus inicios en el siglo XVII, ha permanecido como una de las artes escénicas tradicionales más representativas de Japón. (Ver: El mundo del sonido que da poder al escenario kabuki | Septiembre 2025 | DESTACANDO Japón）
12. Un arte escénico clásico presentado por un narrador llamado tayu, un intérprete de shamisen y un titiritero.
13. Una obra literaria de principios del siglo XIII que retrata el auge y caída del clan Taira en una epopeya militar.
14. Canciones tradicionalmente cantadas por geishas, artistas profesionales que actúan para los invitados en banquetes.
15. Un tipo de flauta vertical de bambú introducida desde China hace más de mil años.
16. Música Shamisen que se desarrolló en el oeste de la prefectura de Aomori. Hoy en día, a menudo se refiere a interpretaciones en solitario. Se caracteriza por técnicas en las que el bachi (plectro) golpea las cuerdas y por piezas de tempo rápido.
17. Un teatro en la ciudad de Chuo, Tokio, dedicado exclusivamente al kabuki.
19. Un festival que se celebra anualmente desde el 1 de julio durante un mes en el Santuario Yasaka en la ciudad de Kioto, prefectura de Kioto.
20. Un estilo de drama musical narrado con acompañamiento de shamisen, establecido a mediados del siglo XVIII en Edo (actual Tokio). Se desarrolló hasta convertirse en una actuación callejera en la que los artistas caminaban mientras tocaban.
21. Un instrumento de percusión que combina un gong y un taiko, llevado en la espalda del intérprete para tocar en solitario. Interpretarlo mientras promocionas tiendas se conoce como chindon-ya.
22. Una banda de seis miembros compuesta por dos vocalistas: sangen, batería, teclado y bajo. Activos desde los años 80, son conocidos por su música sin fronteras que mezcla sonidos de países de todo el mundo, especialmente de Asia.
Por TANAKA NozomiFoto: JOMA Akihiko; PIXTA
Murasaki Shikibu, la estética narrativa en femenino
CONTEXTO HISTÓRICO
El periodo Heian (siglos VIII-XII)
El Heian jidai (平安時代) o Periodo de la Paz (794-1118) obtuvo su nombre tras el traslado de la corte que se produjo en el mismo 794 desde Nagaoka-kyō hacia Heian-kyō (‘Capital de la Tranquilidad’ y actual Kioto) por el Emperador Kanmu Tennō, poco después de acceder al trono en 781, donde permanecería hasta el 1868, aunque ya desde 1603 se establecería la capital de facto en Edo (actual Tōkio).
CONTEXTO PERSONAL
Murasaki Shikibu (紫式部) nació a mediados del período Heian, presumiblemente entre 973 y 978, hija del modesto letrado y literato Fujiwara no Tametoki, perteneciente a una familia de funcionarios letrados de la mediana nobleza, aunque lejanamente emparentada con la poderosa familia Fujiwara.
Su padre le dio una excelente educación y, si bien era mal visto en la época la lectura de escritores clásicos chinos, como buena conocedora de la obra poética de Po Chü-i, más adelante utilizaría varias de sus figuras poéticas en el lenguaje empleado en La historia de Genji.
Casó con un noble de similar clase social, Fujiwara no Nobutaka, que moriría dejándole una hija. Tras la muerte de su esposo, escribió la novela La historia de Genji, de carácter realista, que le granjeó mucha popularidad, por lo que el primer ministro Fujiwara no Michinaga la incluyó en la corte de la emperatriz Fuyiwara Shōoshi, quien contaba con un peculiar séquito de hábiles mujeres escritoras, en calidad de dama de compañía hasta el año 1013. Al año siguiente murió, y su tumba se conserva en la antigua capital japonesa, Kyōto, escenario de las andanzas de sus personajes.
CONTEXTO CULTURAL
La autora vivió el esplendor de la familia Fujiwara en el poder y la decadencia de la era Heian, lo que le permitió conocer de primera mano las debilidades y fortalezas de la sociedad aristocrática de su tiempo.
Mujeres en la era pre-Heian
Los logros culturales comparativamente altos de las mujeres Heian son quizás un rastro persistente de un antiguo equilibrio de género previo a esta era. En la era pre-Heian, las mujeres tomaban el control del reino espiritual como chamanes, y los hombres del reino físico como reyes guerreros. Cabe destacar que, a diferencia de muchas otras culturas donde el sol está personificado por un dios masculino como Apolo, en la mitología japonesa el sol es una diosa femenina, Amaterasu, que exhibe características tanto femeninas como masculinas. Además, cabe destacar que una historia dinástica china del siglo III registra cómo una chamán gana la lucha por el poder en Japón y reina varias comunidades. Hubo varias emperatrices reinantes en la historia japonesa hasta el siglo VIII.
Pero en la era Heian, las mujeres habían perdido sus antiguos poderes. La introducción de la burocracia china estuvo acompañada de una orientación patriarcal que excluía a las mujeres de la mayoría de los cargos políticos. Aun así, la posición social de las mujeres seguía siendo alta. Como dijimos antes, tenían una gran educación, además, tenían derecho a heredar propiedades y, a menudo, continuaban residiendo con sus padres junto a sus hijos, incluso después del matrimonio.
Las mujeres Heian también escribieron las primeras narrativas autobiográficas de Japón en diarios poéticos (uta nikki 歌日記) o memorias, en las cuales son narradora y sujeto de la historia.
El más conocido de estas memorias es el Diario de la Libélula o Kagerô Nikki (蜻蛉日記 que abarca los años 954-74 d.C.) de la mujer conocida como Madre de Michitsuna (道綱母の名誉救済) retrato del coste psicológico de ser una esposa entre otras en el llamado sistema de poligamia de «un marido-varias esposas» de la época.
Heian, la capital de la literatura femenina
Abundaban los textos románticos, para uso de los aristócratas que poblaban las cortes de sucesivos emperadores, la mayoría escritos por mujeres, ya que los hombres no se dedicaban a la literatura y si lo hacían, lo que describían en su literatura en chino eran asuntos, paisajes y personas que casi nadie había visto o conocido. Estaban en la lejana China. Se estudiaba la poesía de Li Bo y los volúmenes de las antologías de literatura china.
Este valor estético, llamado masuraobi (益荒男美), constituía toda una sensibilidad masculina que más tarde, en la época nacional-militarista del Japón de los siglos XIX y XX, fue considerablemente reivindicada con la intención de suscitar una vigorosa conciencia nacional que se guardase de lo extranjero y se afanase en menospreciar su contrapartida estética femenina, el taoyamebi (手弱女美), raíz común de la gran literatura de mujeres o nyōbō bungaku (女房文学) que hizo brillar a la Era Heian.
Así, las damas de honor, privadas de la escritura china, se proveyeron de un emergente silabario autóctono logrado a través de la abreviación de caracteres del chino que, además de ser agradable a la vista, resultó el medio en el que obras tan célebres como el propio Genji se manifestaron.
Era una escritura muy alejada del academicismo chino de la empleada por los hombres, y servía perfectamente para narrar las experiencias y emociones de todas las cortesanas como Murasaki.
En los años en que Murasaki escribió su obra (parece ser por su diario personal que ya en 1008 estaba inmersa en ello), la corte estaba dividida en dos camarillas a consecuencia de la indeterminación del emperador Ichijōō entre sus dos esposas.
Lo normal es que el poder y título de emperatriz recayera sobre la primera esposa, Teishi, pero la ascendencia familiar de su segunda esposa, Shōoshi, permitió que esta reclamara el mismo rango y privilegios que la emperatriz Teishi.
La situación se tradujo en la existencia de dos cortes paralelas que competían en todos los ámbitos, incluido el literario. De esta forma, Murasaki entró al servicio de la segunda emperatriz, convirtiéndose en su «campeona literaria» gracias no solo al éxito de los capítulos que iba escribiendo de Genji monogatari, también por sus sugerentes poemas o la agudeza de sus observaciones.
Por su parte, la máxima representante literaria de la corte de Teishi era nada menos que Sei Shōōnagon, autora de El libro de la almohada (枕草子, Makura no Sōshi), una colección de ensayos en los que Shōōnagon retrató de forma elegante (y no exenta de mordacidad) la corte imperial de la época, además de definir los parámetros estéticos y artísticos por los que se regirían gran parte de la nobleza.
Entre ambas mujeres se establecería una rivalidad intelectual (y quizás también personal, por lo que se deduce de algunos comentarios en el diario privado de Murasaki), que no haría sino elevar la calidad de su producción literaria y popularizar aún más sus trabajos; sin embargo, es cierto que esta sensibilidad femenina no resultó un proceso de rápido avance en la sociedad japonesa.
SU OBRA
Murasaki Shikibu es autora de un diario Murasaki Shikibu Nikki (紫式部日記) y de la ya mencionada Genji monogatari, la novela psicológica más antigua de la literatura universal y la más importante de la literatura japonesa clásica.
Sobre Murasaki Shikibu se tienen bastantes certezas, pero una de ellas es que no era su auténtico nombre. Firmó su obra con pseudónimo, como era costumbre en el Japón de la época, y se cree que Murasaki («violeta») hacía referencia al color que habitualmente vestía, mientras que Shikibu fue el cargo funcionarial que su padre ostentó durante años, antes de ser nombrado gobernador de Echizen.
Esto no quiere decir que fuera una escritora anónima. Más bien al contrario, en Heiankyōō se tenía muy en cuenta que aquella joven era la autora de los primeros capítulos difundidos de Genji monogatari, cuyo éxito entre la nobleza le abrió las puertas de la corte imperial.
Conceptos clave para comprender mejor la obra de Murasaki:
Yamato damashii ( 源氏物語.) o espíritu japonés y la «estética de lo incompleto» o Wabi-Sabi
El Yamato damashii se originó en el período Heian para distinguir la sensibilidad nativa frente a la influencia china, evolucionando hasta englobar una ética de acción, disciplina y el cumplimiento del deber, a menudo asociado con el Bushido, un trabajo de sincretismo construido sobre la base de una religión-filosofía tan existencialista como esencialista.
Valores clave (miyabi, mononoaware y mujōkan 雅, 物の哀れ, 無常観)
Estética del decoro y de la sugerencia: miyabi
El primer paso del viaje hacia la asimilación de lo incompleto y, por ende, de lo cambiante en la belleza y en la existencia, se fundamenta en una categoría estética conocida, entre diversas denominaciones, como ga, fūryū, uruwashi, o miyabi.
Enfatiza eliminar la vulgaridad y abrazar la belleza artística y pulida en los modales, el arte y el lenguaje.
Estética del asombro: mononoaware
Concepto estético y filosófico japonés que se traduce como «la patética belleza de las cosas» o «la sensibilidad hacia lo efímero». Describe la melancolía agridulce o sentimiento de empatía que surge al observar la transitoriedad de la vida, reconociendo que la belleza es más intensa precisamente porque es finita y pasajera. Fue acuñado en el siglo XVIII por el literato Motoori Norinaga en su ensayo, precisamente, sobre el Genji monogatari.
Cabe señalar que este delicado valor se entrelaza estrechamente con el anterior, el miyabi, pues en aquel entonces, y tal y como se ha visto, se entendía que para experimentar un sentimiento de tal profundidad y complejidad era necesario poseer una sensibilidad refinada propia y exclusiva de la clase noble que lograra descubrir conjuntamente la belleza de las cosas y su esencia finita, provocando la melancólica admiración que es el mononoaware, clave, asimismo, de la Estética del asombro que motiva.
Estética de lo contiguo y de la impermanencia: mujōkan
Los últimos principios estéticos hacia la concienciación del cambio se fundamentan en el mujōkan, una categoría que se encuentra íntimamente ligada con el budismo mahayana que tanto influyó en Murasaki.
Es un término religioso para referirse a la impermanencia o al sentimiento de caducidad.
El término mujō se refiere al concepto de que las cosas son transitorias, no eternas. Cuando se expresa como shogyo mujō (literalmente, «todas las cosas son impermanentes»), significa la naturaleza transitoria de todos los fenómenos.
Mujōkan («visión de la impermanencia»), por otro lado, es una perspectiva filosófica sobre la vida, que contempla la naturaleza de la existencia y el aspecto siempre cambiante de todas las cosas. Aunque el mujō es una doctrina budista, se ha hecho ampliamente conocido como una idea estética japonesa y a menudo se enseña en la escuela, especialmente a través del verso El sonido de la campana en el Gion-shoja hace eco de la impermanencia de todas las cosas del épico del periodo Kamakura (1185-1333) El cuento de los Heike.
Aunque este concepto de impermanencia tiene sus raíces en el budismo, las cuatro estaciones distintas de Japón siempre se han asociado con cambios en la vida de las personas, y esto ha dado lugar a una visión única japonesa de la impermanencia. En Japón, las flores florecen solo para caer, y la nieve se acumula solo para derretirse. Los ríos en varias partes de Japón se utilizan a menudo para representar la impermanencia debido a su caudal rápido e imparable.
Todo ello nos lleva a recordar el término wabi-sabi (侘寂), representa la esencia de la belleza en la imperfección y lo efímero. Es la capacidad de ver la belleza en lo incompleto, lo rústico y en aquello que lleva las marcas del tiempo.
¿Sabías el origen
de la palabra Manga?
Manga: 漫 (man, informal, involuntario o
caprichoso) y画 (ga,
dibujo), en suma, dibujo sin restricciones o libres.
El término «manga» fue empleado por el artista japonés
Katsushika Hokusai (1760-1849) a principios del siglo XIX, para describir sus
libros de bocetos y dibujos realizados por medio de la superposición de planos y
combinación de colores. Además, en sus obras encontramos también diálogos y
cierta narrativa, que lo acercan a la idea actual de lo que entendemos como
manga, que podría definirse como : un arte secuencial o narración de una historia de forma gráfica.
Aún así, parece ser que el manga japonés
remonta su origen a los rollos de Chōjū Giga ó Chōjū Jinbutsu Giga. Estos rollos son 4 volúmenes de caricaturas de
diversos animales representando gestos casi humanos y dibujadas con tinta en
papel transmitidos en el templo Kosanji de Kyōto, fueron
considerados tesoro nacional. En el Kōhon
Nihon Teikoku BIjutsu Ryakushi (Breve historia sobre el arte en el
Japón imperial) una compilación del uso de la familia imperial de Tōkyo,
publicada en 1916 que fueron tituladas Chōjū Giga.
En el Nihon Mangashi (Historia del manga) escrito por Seiki
Hosokibara en 1924, ya se citaba esta teoría con autor desconocido.
El primer uso de la palabra manga para
referirse a las caricaturas en el sentido occidental, se dio en el periódico Jiji Shinpô
(Eventos actuales) fundado por Yukichi Fukuzawa. Eisen Terayama, periodista de
dicho periódico, escribió un prólogo en la obra del 1895, Ippyō
Mangashu Shohen (colección de Manga
Ippyô, Ippyô Imaizumi) “los artistas japoneses realmente nunca dominaron
los secretos de las imágenes satíricas humorísticas, pero los rollos de Chōjū Giga son una notable excepción.”.
Fuentes:
Comentarios
Publicar un comentario